Steinway & Sons : L’émotion pour héritage, l’excellence en résonance, rencontre avec Min-Jung Kym

Dans l’écrin feutré du showroom parisien de Steinway & Sons, le silence a une densité particulière. Ici, chaque instrument porte en lui près de trois années de fabrication, plus de 12 000 pièces assemblées à la main et l’héritage d’une promesse formulée en 1853 : “to build the best piano possible.” Rencontre avec Min-Jung Kym, concertiste devenue gardienne de cet univers d’exception, où l’émotion dialogue avec l’innovation.

Premièrement, pouvez-vous vous présenter en quelques mots ? 

Je suis Min-Jung Kym. Je suis directrice du showroom parisien et je m’occupe également des relations artistiques. J’ai débuté comme concertiste et Artiste Steinway ; aujourd’hui, je poursuis cette histoire sous un autre angle. Cette double casquette nourrit ma vision.

Un moment de votre carrière clef ? 

Être nommée Artiste Steinway. C’est une maison iconique. Henry Steinway, immigrant allemand arrivé à New York, fonde la manufacture en 1853 avec cette ambition absolue d’excellence. Rejoindre cette lignée est profondément émouvant.

Le moment de révélation ?

Très jeune, en écoutant Maurizio Pollini, j’ai été saisie par le son, par cette profondeur presque tellurique qui semblait ouvrir l’espace. C’est cette densité, cette lumière intérieure, qui m’a naturellement conduite vers Steinway. Le piano de mon professeur était un Steinway : je me glissais sous la table d’harmonie pour en sentir les vibrations, comme on écoute un cœur battre. Des années plus tard, au studio Spirio de Hambourg, une vague sonore m’a traversée avec la même intensité. Un instant suspendu, gravé à jamais.

On parle souvent du “son Steinway” comme d’une signature. Comment décririez-vous, vous, cette empreinte presque mythique ?

Le piano donne une voix à l’artiste, et chaque artiste révèle une voix différente du même instrument. Cette polyvalence explique pourquoi près de 90 % des pianistes de concert et 95 % des grandes salles choisissent Steinway. Ce n’est pas un hasard.

Chaque piano est véritablement unique.

Absolument. Tous suivent le même processus, mais le bois reste un matériau vivant. Le bois sèche naturellement à l’air libre pendant environ deux ans, sans séchage artificiel. Ensuite vient près d’une année de fabrication. Chaque piano est composé de plus de 12 000 pièces. Le résultat : un ADN commun, mais des caractères distincts. Lors des sélections, un pianiste joue le même morceau sur plusieurs instruments ; chacun révèle des nuances différentes. C’est une rencontre intime.

Les coulisses ?

Le rôle des artisans est fondamental. Il faut près de dix ans pour former un artisan Steinway. Tout est fait à la main, entre Hambourg pour l’Europe et New York pour les Amériques. La dernière étape est cruciale : l’“oreille” de Steinway ajuste chaque piano, lime les marteaux, affine le timbre. Comme un nez en parfumerie. Sans cette écoute ultime, l’instrument ne serait pas complet.

La maison détient de nombreux brevets. Environ 180. Certains sont tombés dans le domaine public, mais le savoir-faire reste inimitable. C’est un peu comme une recette mythique : connue, mais jamais égalée. Concernant les finitions, aucun compromis sur le son. Le noir brillant reste l’iconique “little black dress”. Mais nous proposons des plaquages rares : Macassar, eucalyptus, sycomore, érable blanchi à l’effet marbre… Certaines commandes sont de véritables œuvres d’art, comme ce piano en marqueterie “Sound of Harmony”, devenu pièce de collection.

Le Spirio redéfinit la notion de performance enregistrée. En tant qu’ambassadrice, comment percevez-vous cette rencontre entre tradition artisanale et technologie de pointe ?

Le Steinway Spirio est lancé en 2015. À l’origine, il reproduisait fidèlement l’interprétation d’artistes, certains disparus, recréés grâce à des algorithmes analysant leurs enregistrements. En 2019, Spirio | r permet l’enregistrement et l’édition par l’artiste lui-même.

Pendant le Covid, j’ai enregistré un album à distance : joué à Paris, produit à New York. Une première mondiale pour la maison. En 2024, Spirio | cast permet de diffuser un concert en direct sur tous les Spirio connectés dans le monde. Un récital à Paris peut être vécu simultanément à New York ou Tokyo.

Aujourd’hui, Spirio représente près d’un tiers des ventes. C’est une expérience nouvelle, mais toujours acoustique : l’âme reste celle de l’artiste. La technologie ne remplace pas l’humain, elle amplifie la transmission. Un outil pédagogique aussi. Grâce à la tablette fournie, on analyse la puissance des touches, les pédales, les nuances. C’est un miroir immédiat pour l’élève. On peut même organiser des masterclass à distance ou partager un concert familial en direct.

Être Artiste Steinway, est-ce appartenir à une lignée, à une communauté, à une famille, à une histoire ?

Oui. Être Artiste Steinway n’est pas un contrat commercial, mais une union. Pas de rémunération, pas d’échange financier : les artistes choisissent la maison par conviction. Le réseau international leur offre des salles de répétition, un soutien, un accompagnement. On suit leurs carrières, leurs projets. C’est une famille.

Comment conciliez-vous l’exigence absolue de l’interprétation avec l’émotion pure qu’attend le public ?

La transmission. Créer de nouveaux souvenirs. Offrir au public une autre manière d’écouter une œuvre, qu’il la découvre ou qu’il la connaisse par cœur. Chaque jour, l’émotion est différente, influencée par l’humeur, l’instant.

Un rituel avant de jouer ?

Comme un sportif : discipline, constance, énergie. Chaque artiste a ses habitudes. L’essentiel est d’être prêt à partager.

Si Steinway était une émotion ?

La joie. Une joie qui peut être euphorique, nostalgique ou mélancolique, mais toujours lumineuse.

Et enfin, votre définition du luxe ?

Le luxe, c’est d’avoir un Steinway comme ami pour la vie. Un compagnon qui traverse les générations, suspend le temps et accompagne chaque histoire familiale.