De la Belgique à Los Angeles, Katrien Van Der Schueren construit une œuvre qui refuse les frontières entre sculpture, architecture et expérience. Bois, pierre, plâtre, résine ou béton deviennent sous ses mains les matériaux d’une même conversation. Rencontre avec une artiste qui façonne moins des objets que des lieux de mémoire, de découverte et d’émerveillement.

Il faut vouloir y aller. La maison ne s’annonce par aucune enseigne, ne figure sur aucune carte touristique, et l’on n’y entre que sur rendez-vous. Elle se dresse sur un affleurement rocheux à l’ouest d’Antiparos, face à l’îlot de Despotiko, là où les archéologues dégagent depuis vingt-cinq ans un sanctuaire d’Apollon de deux mille deux cent cinquante mètres carrés. C’est dans cette villa de construction récente, dont ni le propriétaire ni l’architecte n’ont été rendus publics, que la galerie genevoise L’APPARTEMENT a installé Melting Beauty, du 30 juillet au 31 août. Seize artistes, une vingtaine d’œuvres, et une question posée sans détour : que reste-t-il de la beauté comme critère, aujourd’hui, dans l’art contemporain ?

Il aura suffi d’une horloge de tableau de bord pour redéfinir une voiture entière. Octave Chany, responsable du design chez Singer Vehicle Design, revient sur la naissance de cette Porsche 911 façonnée aux côtés de Louis Vuitton : une obsession commune pour le détail que personne ne remarquera, sauf ceux qui savent regarder.

Au cours de la prochaine décennie, presque un trillion de dollars en art changera de mains. Principalement de parents Baby Boomers à leurs enfants. C’est l’équivalent du PIB de la Suisse qui circule entre les générations. Et il redéfinira radicalement non pas seulement le marché de l’art, mais la définition même du prestige en Occident. Et presque personne ne parle de ce que cela signifie vraiment.

Quand deux univers se reconnaissent, ils n’ont plus besoin de se convaincre. Ils prolongent une conversation commencée bien avant leur rencontre. Avec cette nouvelle capsule, FRAME et Sotheby’s rappellent que le vêtement le plus désirable n’est plus celui que l’on consomme, mais celui que l’on collectionne, transmet et habite.

Quand Carlos Sicilia découvre le travail de Pauline Guerrier, l’intuition est immédiate : ces œuvres appartiennent déjà à l’univers de Liaigre. Non comme un dialogue de circonstance, mais comme la rencontre naturelle de deux écritures qui partagent une même conception du temps, de la matière et du geste. D’un côté, un lieu où le mobilier est pensé pour accompagner une vie entière, loin de toute démonstration. De l’autre, une pratique artistique façonnée par des milliers d’heures de travail, où chaque œuvre naît d’une répétition patiente, presque méditative, transformant les matériaux les plus simples en paysages de lumière. Entre les deux ne s’est pas construit un décor, mais une résonance. Cette conversation à quatre voix raconte moins la naissance d’une exposition que celle d’une évidence : celle de savoir-faire qui, chacun à leur manière, refusent l’éphémère pour inscrire la création dans une temporalité plus longue.

Forte dei Marmi n’est pas simplement une destination de bord de mer. C’est une adresse de l’été toscan, discrète, résidentielle, chargée de cette élégance italienne qui n’a pas besoin de se justifier. C’est là que Loro Piana a choisi d’installer Il Fioraio, son kiosque à fleurs au cœur de la ville, et d’en faire chaque été un espace de dialogue entre la Maison et des artisans dont la pratique entre naturellement en résonance avec les valeurs qui définissent la maison depuis des décennies. Cette saison, pour la seconde édition de Blooming Clay, deux céramistes français partagent l’espace : Karim Rahman, qui revient pour une nouvelle série de vases façonnés à la main, et Mathilde Martin, qui y présente son travail pour la première fois.

À une histoire qui s’inaugure par un projet personnel et se continue par une manufacture. Celle de Gautier Massonneau commence en 2013 par la recherche d’une première montre et s’achève, provisoirement, dans un atelier discret de Paris où une trentaine de personnes développent, prototypent, usinent, décorent et assemblent entièrement à la main des montres qui ne ressemblent à aucune autre. Entre les deux, sept ans, cinq ans de R&D, une rencontre, une conviction intacte et une question qui résume tout : pourquoi lire l’heure comme on le fait depuis sept siècles ? Découverte.

On distingue assez vite, dans l’hôtellerie de luxe, les établissements qui cherchent à impressionner et ceux qui cherchent à envelopper. Les premiers misent sur la démonstration. Les seconds parient sur quelque chose de plus difficile à concevoir et de plus durable à vivre : une atmosphère qui accueille sans s’imposer, un luxe qui se révèle dans les détails plutôt que dans les façades. The Mark s’y dévoile.

Le 26 juin 2026, Phillips London clôturait sa vente Modern & Contemporary Art Evening and Day Sale avec un total de 11,96 millions de livres sterling, 91 % de la valeur totale des œuvres proposées vendue, 84 % des lots adjugés. Des chiffres solides, dans un marché qui reste attentif à la qualité et à la signification historique des œuvres plutôt qu’à leur seule rareté spéculative.

En octobre 2025, Matthieu Blazy présentait sa première collection pour Chanel. Le premier look de ce premier défilé était une chemise et un pantalon, un point de départ délibérément masculin, presque radical pour une maison dont l’identité est aussi féminine. La chemise était signée Charvet. Pas en collaboration déclarative, pas en partenariat médiatisé, simplement une chemise, faite ensemble, qui portait dans son tissu le début d’une conversation. Cette conversation s’est officiellement conclue ce 2 juillet 2026 : Chanel annonce l’acquisition complète de Charvet, le plus ancien chemisier de France, fondé en 1838. Un achat qui inclut également l’immeuble de six étages au 28 Place Vendôme où la maison est établie depuis 1982.

Dans le quartier de Saint-Sulpice, au cœur de Saint-Germain-des-Prés, une adresse inédite vient de naître. Jade Matcha Gallery réunit sous un même toit la rigueur du thé cérémoniel japonais et la sensibilité de l’art contemporain. Pour son vernissage inaugural, la galerie accueille les œuvres de Julien Auregan, peintre parisien dont la pratique épouse, à sa manière, cette même attention au geste, à la matière et au temps. Découverte et rencontre.

En décembre 1904, quelques semaines à peine après la création du nom qui deviendra le plus emblématique de son industrie, Rolls-Royce présentait ses premières automobiles à Paris. L’histoire entre la maison britannique et la capitale française est donc longue, intimement liée à cette conviction fondatrice que Paris, plus qu’une ville, est une certification. C’est dans ce contexte historique que Rolls-Royce Motor Cars annonce ce printemps 2026 son retour à Paris, non pas avec un showroom, mais avec quelque chose peut-être plus révélateur encore de la philosophie du concepteur : un centre après-vente d’exception, installé au 6 rue de la Cavalerie, dans un immeuble Art déco d’une rue calme et confidentielle, à l’exact opposé de la démonstration.

La Coupe du Monde 2026 s’est installée aux États-Unis avec le bruit et la lumière qu’on lui connaît. Dans cet environnement saturé de spectacle et de compétition, une initiative a choisi de poser une question différente, plus lente, plus précise, plus exigeante. Que se passe-t-il si on prend l’objet le plus universel du sport le plus universel du monde, et qu’on en fait le vecteur d’une transformation concrète ? La IMAZ Foundation, fondée par Sami Deller, y répond avec « Chapter One », son exposition inaugurale présentée à The Atelier at Ideal Glass Studios à New York, en juin 2026, en plein cœur du mondial.

Le 19 juin 2026, jour du solstice d’été, James Turrell ouvrait au public As Seen Below, The Dome au musée ARoS Aarhus Art Museum, dans la deuxième ville de Danemark. C’est son plus grand Skyspace jamais construit dans un contexte muséal, à 82 ans, l’artiste livre ce qu’il décrit lui-même comme une œuvre fondamentale dans sa pratique de cinquante ans. À plus de 15 mètres de hauteur et 40 mètres de diamètre, la chambre est à peu près de la même taille que le célèbre dôme du Panthéon à Rome. Sauf qu’ici, on entre par en dessous. Et que ce qu’on voit au-dessus, c’est le ciel danois.

En 172 ans d’histoire, entre Hambourg et New York, et au fil de collaborations avec les artisans, designers et artistes les plus exigeants du monde, la maison a toujours cultivé une même exigence : repousser les frontières du savoir-faire. Puis vint Atelier Paelis. Fondé à Lyon en 2016 par Manon Bouvier-Toth, Meilleur Ouvrier de France, l’atelier a révélé un territoire encore inexploré : celui d’un dialogue subtil entre deux disciplines que tout semblait distinguer, mais que réunit une même obsession du geste juste, de la matière maîtrisée et de la beauté durable. Cette rencontre donne naissance à une édition limitée d’exception. Une création où chaque détail témoigne d’une virtuosité silencieuse, où la précision répond à la sensibilité, et où les savoir-faire ancestraux ne se contentent pas de perpétuer un héritage : ils le réinventent. Car les traditions les plus précieuses ne survivent jamais en se répétant ; elles traversent le temps en trouvant sans cesse de nouvelles formes d’expression.

Il y avait quelque chose de différent dans l’air à Bâle cette semaine. Pas l’excitation de la bulle spéculative que l’on a connue en 2021 et 2022, pas la morosité prudente de 2024 et 2025. Quelque chose de plus rare et de plus précieux dans le monde de l’art contemporain : un équilibre. Un sentiment partagé, de stand en stand, d’allée en allée, que le marché avait retrouvé sa gravité sans perdre son élan.

Hugo Toro peint ce que la mémoire ne peut pas taire et que leur corps a toujours su. Né en 1989 à Sarreguemines d’un père français et d’une mère mexicaine, il n’a jamais vécu au Mexique. Il en a pourtant fait son territoire pictural le plus intime : les mangroves de l’Oaxaca, les volcans aztèques, les eaux qui murmurent sous les forêts denses comme des langues que l’on comprend sans les parler. Hugo Toro « Ojo de Agua », c’est l’occasion de découvrir sa première exposition personnelle aux États-Unis et sa première présentation chez Perrotin New York, est visible du 10 juin au 31 juillet 2026 au 130 Orchard Street. C’est, au sens le plus profond du terme, une entrée dans le monde d’un artiste que la scène internationale commence seulement à découvrir.