Le 26 juin 2026, Phillips London clôturait sa vente Modern & Contemporary Art Evening and Day Sale avec un total de 11,96 millions de livres sterling, 91 % de la valeur totale des œuvres proposées vendue, 84 % des lots adjugés. Des chiffres solides, dans un marché qui reste attentif à la qualité et à la signification historique des œuvres plutôt qu’à leur seule rareté spéculative.

En octobre 2025, Matthieu Blazy présentait sa première collection pour Chanel. Le premier look de ce premier défilé était une chemise et un pantalon, un point de départ délibérément masculin, presque radical pour une maison dont l’identité est aussi féminine. La chemise était signée Charvet. Pas en collaboration déclarative, pas en partenariat médiatisé, simplement une chemise, faite ensemble, qui portait dans son tissu le début d’une conversation. Cette conversation s’est officiellement conclue ce 2 juillet 2026 : Chanel annonce l’acquisition complète de Charvet, le plus ancien chemisier de France, fondé en 1838. Un achat qui inclut également l’immeuble de six étages au 28 Place Vendôme où la maison est établie depuis 1982.

Dans le quartier de Saint-Sulpice, au cœur de Saint-Germain-des-Prés, une adresse inédite vient de naître. Jade Matcha Gallery réunit sous un même toit la rigueur du thé cérémoniel japonais et la sensibilité de l’art contemporain. Pour son vernissage inaugural, la galerie accueille les œuvres de Julien Auregan, peintre parisien dont la pratique épouse, à sa manière, cette même attention au geste, à la matière et au temps. Découverte et rencontre.

En décembre 1904, quelques semaines à peine après la création du nom qui deviendra le plus emblématique de son industrie, Rolls-Royce présentait ses premières automobiles à Paris. L’histoire entre la maison britannique et la capitale française est donc longue, intimement liée à cette conviction fondatrice que Paris, plus qu’une ville, est une certification. C’est dans ce contexte historique que Rolls-Royce Motor Cars annonce ce printemps 2026 son retour à Paris, non pas avec un showroom, mais avec quelque chose peut-être plus révélateur encore de la philosophie du concepteur : un centre après-vente d’exception, installé au 6 rue de la Cavalerie, dans un immeuble Art déco d’une rue calme et confidentielle, à l’exact opposé de la démonstration.

La Coupe du Monde 2026 s’est installée aux États-Unis avec le bruit et la lumière qu’on lui connaît. Dans cet environnement saturé de spectacle et de compétition, une initiative a choisi de poser une question différente, plus lente, plus précise, plus exigeante. Que se passe-t-il si on prend l’objet le plus universel du sport le plus universel du monde, et qu’on en fait le vecteur d’une transformation concrète ? La IMAZ Foundation, fondée par Sami Deller, y répond avec « Chapter One », son exposition inaugurale présentée à The Atelier at Ideal Glass Studios à New York, en juin 2026, en plein cœur du mondial.

Le 19 juin 2026, jour du solstice d’été, James Turrell ouvrait au public As Seen Below, The Dome au musée ARoS Aarhus Art Museum, dans la deuxième ville de Danemark. C’est son plus grand Skyspace jamais construit dans un contexte muséal, à 82 ans, l’artiste livre ce qu’il décrit lui-même comme une œuvre fondamentale dans sa pratique de cinquante ans. À plus de 15 mètres de hauteur et 40 mètres de diamètre, la chambre est à peu près de la même taille que le célèbre dôme du Panthéon à Rome. Sauf qu’ici, on entre par en dessous. Et que ce qu’on voit au-dessus, c’est le ciel danois.

En 172 ans d’histoire, entre Hambourg et New York, et au fil de collaborations avec les artisans, designers et artistes les plus exigeants du monde, la maison a toujours cultivé une même exigence : repousser les frontières du savoir-faire. Puis vint Atelier Paelis. Fondé à Lyon en 2016 par Manon Bouvier-Toth, Meilleur Ouvrier de France, l’atelier a révélé un territoire encore inexploré : celui d’un dialogue subtil entre deux disciplines que tout semblait distinguer, mais que réunit une même obsession du geste juste, de la matière maîtrisée et de la beauté durable. Cette rencontre donne naissance à une édition limitée d’exception. Une création où chaque détail témoigne d’une virtuosité silencieuse, où la précision répond à la sensibilité, et où les savoir-faire ancestraux ne se contentent pas de perpétuer un héritage : ils le réinventent. Car les traditions les plus précieuses ne survivent jamais en se répétant ; elles traversent le temps en trouvant sans cesse de nouvelles formes d’expression.

Il y avait quelque chose de différent dans l’air à Bâle cette semaine. Pas l’excitation de la bulle spéculative que l’on a connue en 2021 et 2022, pas la morosité prudente de 2024 et 2025. Quelque chose de plus rare et de plus précieux dans le monde de l’art contemporain : un équilibre. Un sentiment partagé, de stand en stand, d’allée en allée, que le marché avait retrouvé sa gravité sans perdre son élan.

Hugo Toro peint ce que la mémoire ne peut pas taire et que leur corps a toujours su. Né en 1989 à Sarreguemines d’un père français et d’une mère mexicaine, il n’a jamais vécu au Mexique. Il en a pourtant fait son territoire pictural le plus intime : les mangroves de l’Oaxaca, les volcans aztèques, les eaux qui murmurent sous les forêts denses comme des langues que l’on comprend sans les parler. Hugo Toro « Ojo de Agua », c’est l’occasion de découvrir sa première exposition personnelle aux États-Unis et sa première présentation chez Perrotin New York, est visible du 10 juin au 31 juillet 2026 au 130 Orchard Street. C’est, au sens le plus profond du terme, une entrée dans le monde d’un artiste que la scène internationale commence seulement à découvrir.

Monaco pendant le Grand Prix n’est pas un événement. C’est un état d’exception. Soixante-douze heures où la ville entière bascule dans une dimension parallèle, vitesse, bruit, adrénaline, lumière sur l’eau, yachts bord à bord dans le port, bruits de moteur qui remontent depuis la piste jusqu’aux terrasses. Dans cet environnement parmi les plus saturés sensoriellement du monde, SUNSET, la beach party devenue institution monégasque, revient pour sa 13e édition du 5 au 7 juin 2026 au Méridien Beach Plaza.

Ancienne gymnaste rythmique de haut niveau, passée par les coulisses d’Estée Lauder et les stratégies des plus grandes maisons de luxe, Joy Lucas aurait pu suivre la trajectoire la plus évidente. Elle a choisi la plus juste. En 2020, du silence forcé du confinement, naît Hercule Studio, une maison française d’accessoires de sport haut de gamme qui n’a rien d’une marque de sport. Portée par une conviction intime et fondatrice, celle que le beau incite au mouvement, Joy Lucas redessine les contours d’un marché que personne n’avait encore pensé à regarder avec les yeux du désir.

Il y a chez Manon une manière singulière de parler de l’art : jamais comme d’un marché avant d’être une émotion. Pour cette jeune curatrice et agente basée entre Paris et New York, chaque œuvre commence par un frisson, une rencontre intérieure, presque physique. Nourrie très tôt par les musées, les artistes et les récits transmis par sa grand-mère collectionneuse, elle construit aujourd’hui une approche sensible et profondément humaine de l’accompagnement artistique. Rencontre.

Vingt-cinq ans au service de Piaget, Cartier et TAG Heuer. Et puis, quinze jours de vacances, et une conviction qui ne le quitte plus. En novembre 2022, Franck Touzeau fonde Maison Heavenly : une marque de joaillerie inspirée d’un univers cosmique ancré dans la numérologie, la lithothérapie et la joaillerie transformable créative, un territoire céleste inédit en joaillerie. Un bijou qui révèle deux identités distinctives, qui se transmet, qui a du sens. Rencontre avec un créateur qui pense le luxe comme une affaire de temps et de traces laissées.

L’art, chez Liaigre, n’arrive pas après. Il n’est pas convoqué pour habiller un espace déjà pensé, ni posé comme une signature sur un intérieur achevé. Il fait partie de la conception même, au même titre que le choix d’un bois, la courbure d’un dossier ou la qualité d’une lumière. C’est cette conviction rare, héritée de Christian Liagre et portée aujourd’hui avec une discrétion et une précision remarquable par Carlos Sicilia, commissaire d’exposition et curateur art de la maison, qui fait de Liaigre bien plus qu’une maison de design. Un lieu où la beauté, pour exister pleinement, a besoin de se confronter à une œuvre.

L’acier n’est pas une matière de confort. Il ne cède pas, ne vieillit pas avec douceur, ne pardonne aucun détail mal résolu. C’est précisément pour cela que studioutte l’a choisi pour réinventer soixante-dix mètres carrés dans un immeuble bourgeois milanais du XIXe siècle. Un créatif parisien, également DJ, cherchait un appartement qui joue avec le froid et le chaud sans jamais choisir entre les deux. Guglielmo Giagnotti et Patrizio Gola lui ont répondu avec du béton, du verre opalin, de la laque noire et des références qui traversent les années 1980 comme un fil tendu entre Ward Bennett et Pasolini.

Venise, mai 2026. La 61e Biennale Internationale d’Art s’ouvre sous le titre In Minor Keys, conçu par Koyo Kouoh, curatrice camerounaise décédée six mois avant d’avoir vu son œuvre inaugurée. Ce qu’elle a laissé derrière elle est à la fois un hommage et un manifeste : la conviction que l’art ne change pas le monde en le représentant, mais en modifiant la façon dont on regarde et donc la façon dont on pense, dont on choisit, dont on décide de quoi est fait le présent. Cette Biennale ne se laisse pas contenir entre les grilles des Giardini ni dans les nefs de l’Arsenale : elle déborde dans la ville entière, partout, des palais vénitiens dont les fresques du XVIe siècle apprennent à vivre avec des peintures ghanéennes, des sculptures coréennes et des jardins surréalistes. Notre sélection des expositions et coups de cœur à découvrir.

À ces adresses qui ne ressemblent à rien de connu et qui, pour cela précisément, deviennent immédiatement indispensables. Marcel, ouvert le 16 avril 2026 au sein du siège new-yorkais de Sotheby’s, est de celles-là. Nichée au niveau inférieur du Breuer Building, ce monument brutaliste de Madison Avenue dont la silhouette en ziggourat inversée surplombe le quartier depuis 1966, la table s’impose d’emblée comme l’une des ouvertures les plus singulières de l’année à New York, à la croisée de l’art, du design et de la gastronomie française.

Dans un appartement parisien chargé d’histoire, celui que Pierre Cardin habita, ce lieu où la création a élu domicile depuis plus de cinquante ans, trois univers se sont trouvés, se sont reconnus, et ont choisi de dialoguer. Les peintures de Roberto Platé, maître argentin de la scénographie et peintre de l’âme, y cohabitent avec la collection Tour de mains du designer Hugo Besnier, fondateur d’Hartis. L’ensemble est orchestré par CMS Collection, trio d’amis passionnés qui préfèrent les coups de cœur aux agendas.
Rencontre avec Alexandre Platé, fils de Roberto, artiste et performeur, Joanna Chevalier, cofondatrice de CMS Collection et Hugo Besnier autour d’une conversation à trois voix où se tissent art, geste et mémoire, et où affleure, en filigrane, une même quête : celle d’une beauté profondément vécue.